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La profundidad de campo en la fotografía macro

Victoria — Mon, 29 Sep 2008 14:04:57 +0000

La fotografía macro es aquella que nos permite acercarnos y ampliar un objeto fotográficamente.

Al fotografiar muy cerca, el enfoque y la profundidad de campo son cruciales. Enfocar un par de milímetros hacia delante o hacia atrás puede hacer una gran diferencia en la imagen, así que es recomendable hacer siempre un enfoque manual, pues para la cámara es muy difícil cuantificar estas pequeñísimas diferencias.

Al tener una profundidad de campo tan corta es crucial poder cerrar el diafragma lo más posible, pero al cerrar el diafragma debemos compensarlo con velocidades más lentas, más luz o con un ISO más alto.

El problema al aumentar el ISO es que la imagen tendrá más ruido y perderá resolución y detalle. La otra opción es conservar el ISO en 100 o 200 y usar una velocidad más lenta, pero para usar esta opción es indispensable usar el trípode y de ser posible el control remoto, si la cámara tiene uno o el timer, para evitar el más leve movimiento de la cámara.

Esta opción es la mejor para fotografiar objetos estáticos y flores, siempre y cuando no haya viento, pero no es práctica a la hora de fotografiar insectos. Si queremos fotografiar objetos en movimiento tenemos que hacerlo con muy buena luz natural, usando el flash o luz artificial.

Iluminar apropiadamente objetos tan pequeños es todo un arte y requiere de práctica y experiencia, es mejor usar una luz difusa para no crear sombras fuertes. Rebotando o cubriendo el flash, podemos rebajar su intensidad y lograr una luz más suave.

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Photoshop: cómo manejar situaciones de alto contraste

Victoria — Sat, 19 Jul 2008 15:01:22 +0000

Una situación de alto contraste es aquella en que hay tanto luces muy brillantes, como sombras profundas. Las cámaras digitales no son muy buenas para manejar este tipo de iluminación y cuando tomamos una fotografía en éstas circunstancias, generalmente terminamos con una imagen completamente desbalanceada y casi imposible de recuperar.

La solución comprende dos pasos y por lo tanto mucha planeación. Si sabemos que vamos a estar enfrentados a éste tipo de situaciones, por ejemplo al tomar fotografías de arquitectura y paisaje, debemos llevar un trípode.

El trípode es la herramienta número dos, después de la cámara, para cualquier fotógrafo, pues nos permite lograr fotografías que de otra manera serían imposibles de tomar.

La idea es tomar al menos dos fotografías del mismo lugar con diferente exposición.

Debemos tomar una fotografía para que las altas luces queden perfectamente registradas por el sensor de la cámara y otra par registrar con todo detalle las sombras.

Si la situación es demasiado contrastada, sería recomendable tomar otra para el área media.

Estas fotografías deben ser tomadas con la misma apertura del diafragma y variando solamente el tiempo de exposición, ya que si variamos el diafragma, nos vamos a encontrar con una situación en la que la profundidad de campo y el enfoque varían y no podremos acoplarlas perfectamente.

Las dos (o tres) tomas deben ser idénticas, sin mover la cámara y sin variar el enfoque. Si el tiempo de exposición es muy largo, es importante evitar cualquier leve movimiento de la cámara, así que es mejor usar el control remoto si lo tenemos o sino el timer para que la cámara se dispare sola.

Si la tapa del lente o la cinta que usamos para llevar la cámara al cuello quedan sueltas, es importante removerlas. La tapa de la cámara oscilando mientras se toma la imagen puede ocasionar que ésta quede borrosa.

Una vez tengamos nuestras imágenes vamos a Photoshop a hacer un sándwich con ellas. Es mejor usar en el fondo la capa más oscura e ir colocando encima las más claras.

Para que las capas queden perfectamente alineadas, al halar la capa que va arriba debemos presionar la tecla flecha (shift) y soltarla al dejar la imagen nueva sobre el fondo.

En éste momento evaluamos que partes de cada imagen vamos a conservar y como las vamos a fundir, es muy importante que no se vean los cortes entre una capa y otra, así que si tenemos áreas en que el corte puede ser muy difuminado, podemos simplemente usar el borrador con cero dureza y una baja opacidad para borrar lentamente.

Si necesitamos hacer cortes muy precisos, es importante trabajar con las herramientas de selección y la máscara rápida par lograr un corte perfecto.

Una vez obtengamos una amplia riqueza de tonos en todas las áreas de la imagen procedemos a acoplarla y a trabajarla como cualquier otra imagen. Hacemos los ajustes necesarios de iluminación, contraste, color y perspectiva.

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Alternativas para seleccionar

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Cómo hacer una selección con máscara rápida

Cómo mover, copiar y pegar una selección

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Dónde enfocar la cámara para obtener la mejor imagen

Victoria — Wed, 16 Jul 2008 05:20:57 +0000

Muchas veces queremos enfocar manualmente una imagen o queremos colocar el enfoque de la cámara en el lugar adecuado para obtener la mejor fotografía.

Las cámaras con enfoque automático hacen en general un buen trabajo, pero a la hora de querer enfocar en determinada parte de la imagen, desenfocar el fondo o tomar una fotografía de close up, muchas veces no sabemos donde debemos enfocar.

El enfoque es una ciencia bien difícil y hasta los mejores fotógrafos deben admitir que muchas veces las cosas no les salen como ellos lo deseaban.

La experiencia, como siempre es la mejor herramienta, ya que el enfoque no siempre funciona igual, éste se ve afectado por lo cerca que estemos del primer plano, el tipo de lente que estemos usando, la luz y la profundidad de campo que deseemos utilizar.

Mientras más cerca estemos de un objeto (o sujeto), nuestra profundidad de campo (zona enfocada) será menor. Mientras más largo sea el lente (teleobjetivo) más corta será la profundidad de campo.

Por el contrario, si estamos fotografiando un paisaje, en el que todos los elementos están lejos de la cámara y además estamos fotografiando con un lente corto (gran angular) la profundidad de campo será mayor y muchas veces podremos tener toda la imagen perfectamente enfocada.

La luz y la apertura del diafragma también son determinantes en la profundidad de campo, mientras más abierto esté el diafragma, más corta será la zona enfocada.

El enfoque siempre guarda una proporción de 1/3 hacia delante y 2/3 hacia atrás del punto de enfoque. Así que debemos tratar de enfocar siempre en la zona media hacia delante.

La regla de oro es: tomar varias fotografías para cubrirnos, utilizando diferentes aperturas de diafragma y diferentes puntos de enfoque.

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Fotografía: una introducción a la luz

Victoria — Sat, 12 Jul 2008 13:46:16 +0000

Una cualidad indiscutible de la fotografía es su capacidad de registrar la luz y la atmósfera que ella produce.

Mientras la cámara responde a la luz con una precisión mecánica, las personas respondemos con la sensibilidad. Nosotros somos realmente sensitivos a los cambios de luz y a las emociones que ella despierta en nosotros.

Como fotógrafos podemos utilizar la luz como una forma de resaltar un objeto, un paisaje o una persona, de manera fría, plana y ambigua. Pero también podemos crear una atmósfera suave, dramática, tierna o vibrante con sólo variar la luz en una misma escena.

Cuando somos capaces de percibir los cambios que la luz crea en la atmósfera total de una imagen, podremos empezar a usarla y manipularla a nuestro favor.

Muchas veces estamos limitados por la fuente de luz que no podemos cambiar, pero lo que sí podemos cambiar es el lugar desde el que vamos a fotografiar y esto si hace una gran diferencia.

La posición de la cámara respecto a la fuente de luz, puede hacer un cambio total de la fotografía. Podemos movernos o mover nuestro sujeto, si es una persona o un objeto y mirar a través del visor o la pantalla cómo lo afecta la posición de la luz.

Utilizar un reflector manual o una superficie que refleje la luz, como una pared blanca, pueden disminuir las sombras profundas o iluminar zonas de poca luz.

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Técnica fotográfica: Cómo utilizar la luz creativamente

Victoria — Wed, 18 Jun 2008 15:46:55 +0000

El poder que nos brinda la cámara para capturar la realidad hace que podamos jugar con muchos elementos para lograr que nuestras imágenes pasen de ser simples recuerdos, a ser una composición que logre conmover a los demás.

Muchas veces esa diferencia la hace simplemente el lugar donde estemos fotografiando con respecto a la fuente de luz.

Movernos alrededor del objeto o la persona, o moverlos a ellos con respecto a la luz, puede hacer una diferencia dramática en la fotografía.

Si la luz se refleja en una superficie, como el piso, una pared, tela u otro objeto ésta cambiará no sólo de intensidad, sino de color. La luz refleja ayuda a aclarar las sombras y a disminuir el contraste dentro de la imagen.

Luz fuerte:

Este tipo de iluminación se caracteriza por bordes fuertes y bien definidos entre las áreas de luz y sombra

Las formas fuertes y contrastadas que se crean, pueden introducir un patrón que cambiará por completo la forma en que se percibe el objeto o la persona.

Este tipo de luz crea espacios tanto negativos como positivos, dando un aspecto abstracto a la imagen, por éste motivo es la luz menos apropiada para hacer retratos, pero funciona muy bien para la arquitectura o la fotografía abstracta.

La luz fuerte también funciona muy bien para hacer fotografías de siluetas o a contraluz, donde queremos resaltar las formas o las transparencias de un objeto.

Luz difusa:

Esta se genera cuando hay un día nublado o cuando la luz se reflejan en una superficie y el objeto o la persona recibe sólo la luz refleja. El contraste se reduce y los cambios entre la luz y la sombra se suavizan. Es una luz excelente para hacer retratos y para fotografiar paisajes en los que queramos resaltar formas suaves.

Este tipo de luz también es la apropiada para hacer fotografía macro o de flores.

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Cómo fotografiar siluetas

Victoria — Fri, 23 May 2008 17:23:22 +0000

La fotografía de siluetas nos permite representar a una persona o un objeto sin ningún tipo de rasgos en contraste con un fondo brillante y luminoso.

La siluetas son una forma extraordinaria de mostrar misterio, emoción o drama en una imagen. Generalmente son fotografías que captan inmediatamente el interés debido a su simplicidad, además de la facilidad que tienen de narrar una historia o de transmitir sensaciones.

Las siluetas no le brindan al observador la narración completa, sino que le dejan una gran parte a su imaginación.

La forma adecuada de fotografiar una silueta es colocando a la persona o al objeto en frente a la fuente de luz y medir la luz en el fondo y no en la persona.

Para éste tipo de fotografía no debe utilizarse la cámara completamente en automático o en contraluz sino que debe buscarse que el exposímetro haga la medida de la luz por fuera de la figura. Haciendo esto logramos que la persona quede completamente sub-expuesta: muy oscura o completamente negra.

¿Cómo lograr una buena silueta?

El primer paso es escoger la figura que vamos a destacar con ésta técnica. Es importante que tenga una perfil reconocible al quitarle todos sus rasgos. Las siluetas no se ayudan de colores, texturas o tonos, solo de la forma.

Debemos apagar el flash, si dejamos la cámara en automático, ella lo disparará al medir la falta de luz, así que debemos dar el comando a la cámara de no usar el flash. Buscar la fuente de luz apropiada. Debemos olvidarnos de los principios elementales de la fotografía que nos dicen que nuestro sujeto principal debe estar bien iluminado, en éste caso es todo lo contrario, la luz debe venir de atrás y debe dejar la figura en la penumbra.

El amanecer o el atardecer son buenas situaciones para lograr éste tipo de imágenes, pero cualquier otra fuente de luz puede servir. Una fogata ardiendo, una pared blanca y muy iluminada, una ventana, el reflejo del sol en el agua, la nieve o la niebla iluminada.

Hay que tener cuidado de no mezclar las sombras de diferentes figuras dentro de la imagen. Si vamos a fotografiar una persona sentada al atardecer cerca de una palmera, debemos separar la persona del tronco o las hojas, ya que al convertirse en siluetas formarán una sola imagen, muchas veces irreconocible y otras completamente desproporcionada.

A simple vista nuestros ojos hacen la diferencia, pero a la hora de componer la fotografía debemos estar muy atentos de que no se mezclen las diferentes formas. Es importante que al fotografiar personas tratemos de hacerlo colocándolas de perfil, ya que la figura de frente o de espaldas no será reconocible.

¿Cómo lograr una buena exposición?

Algunas cámaras permiten ver donde el exposímetro está midiendo la luz al presionar el obturador hasta la mitad. Si este es el caso con tu cámara, puedes presionarlo y hacer la medida en el fondo y luego sin soltarlo, recomponer la imagen de la manera que quieras.

Al no soltar el obturador la cámara hará la toma con la medida de la luz que le asignaste pero esto puede darte problemas con el enfoque, ya que la mayoría de las cámara enfocan en el mismo lugar donde toman la luz. Para evitarlo debes hacer el enfoque del lente manualmente o tomar la fotografía con el diafragma lo más cerrado posible para lograr una gran profundidad de campo.

Si la cámara te permite hacer fotografías con exposición manual, puedes ensayar haciendo una toma con la combinación que te da la cámara en automático y comenzar a sobre exponer hasta que logres ver en la pantalla la exposición correcta.

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Cómo fotografiar el agua en movimiento

Victoria — Sun, 18 May 2008 05:37:16 +0000

Al fotografiar el agua en movimiento la cámara nos permite descubrir nuevas formas de ver.

Nuestros ojos en conexión con el cerebro tienen sólo una forma de percibir el tiempo. Nos es imposible ver el mundo en cámara lenta o congelar el movimiento, pero el desarrollo de la fotografía abrió la posibilidad de ver el mundo de una forma diferente.

Cuando las cámaras y las películas se hicieron lo suficientemente rápidas se pudo congelar el movimiento y por primera vez se pudo ver cómo saltaba un caballo, o cómo caía una gota de agua.

Al tomar control de la cámara podemos utilizar sus comandos para ver a través de ella lo que nuestros ojos no pueden ver. Un buen ejemplo de esto, es cuando fotografiamos el agua en movimiento, yendo de un extremo al otro con la velocidad de obturación.

Si utilizamos una velocidad muy rápida, por ejemplo 1/500 o 1/1000 de segundo, muy posiblemente podremos captar las gotas de agua saltando en el aire. Si por el contrario utilizamos velocidades extremadamente lentas, como 3 o 4 segundos, la textura del agua desaparece por completo formando una suave estela.

Para utilizar velocidades de obturación muy rápidas posiblemente necesitaremos tener el ISO de la cámara en 100 o 200 y debemos buscar la apertura optima del diafragma para tener una adecuada exposición. Para esto debemos utilizar la prioridad de velocidad en la cámara o usar un exposímetro externo y colocar la cámara en manual.

Aunque no es necesario utilizar trípode ya que no hay peligro de que la foto se arruine por un movimiento involuntario, si es recomendable, para hacer un buen encuadre. El trípode nos ayuda a ser más cuidadosos a la hora de enmarcar la fotografía.

Para crear una estela suave de agua, debemos hacer todo lo contrario, utilizar una velocidad muy baja. No es muy fácil recomendar cuál, ya que depende de la velocidad del agua, pero seguramente serán velocidades cercanas a un segundo.

Aquí sí es necesario tener un buen trípode, evitar corrientes fuertes de aire, retirar la tapa del lente si la tienes colgando de la cámara y evitar cualquier cosa que pueda producir el más leve movimiento. Si tienes control remoto para disparar, éste es el momento de usarlo.

Tendrás que experimentar cuál es la velocidad optima para obtener el efecto deseado, si la velocidad es muy corta la fotografía parecerá movida, si es demasiado larga, perderás completamente la textura y aparecerá una mancha sólida.

Pero como toda regla tiene sus excepciones, en este ejemplo del río desbordado, utilicé una velocidad de ¼ de segundo para lograr conservar la fuerza del agua, pero al mismo tiempo que el movimiento del agua fuera evidente.

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Aberración cromática: distorsión del color causada por el lente

Victoria — Sat, 17 May 2008 02:36:21 +0000

La aberración cromática se manifiesta en forma de círculos o polígonos de colores en algunas fotografías tomadas a contraluz.

Cuando los rayos luminosos atraviesan un lente simple no enfocan todos en el mismo punto, los que entran por su parte exterior sufren una refracción mayor a los que lo hacen por el centro y los colores también tienen diferentes grados de refracción según su longitud de onda.

Esta distorsión puede disminuir el contraste general de la imagen y muchas veces crean figuras indeseables dentro de la fotografía. Es importante entender cómo se forman y cómo evitarlos o utilizarlos en forma creativa, pero en todo caso estar en control.

En los ejemplos vemos pentágonos rojos localizados en diferentes lugares de la imagen del río causadas por el sol brillante por fuera de la fotografía y manchas de colores en la fotografía del bosque.

Mientras más elementos internos tenga el lente, mayor será el problema. Un lente zoom distorsionará más la luz que un lente normal, ya que un lente normal tiene aproximadamente seis elementos y lente zoom puede tener más de una docena.

¿Cómo evitar este problema?

El problema se soluciona generalmente con una cubierta, la cual evita que el sol o la luz directa entren al lente y causen la distorsión. Las cubiertas en forma de pétalo funcionan mejor que las redondas, el problema es que se debe tener una cubierta para cada lente y algunas veces no alcanzan a evitar completamente la distorsión.

Otra forma de reducir la distorsión es cerrando el diafragama, ya que los rayos de luz deben pasar por un área más reducida del lente y tendrán menos oportunidad de causarnos problemas.

Si no tienes una cubierta para lente, aquí encontrarás una lugar donde puedes imprimir los moldes para construir una cubierta de papel, según el modelo y marca de tu cámara. Ellos aconseja imprimir en papel blanco, pero yo encuentro que el papel blanco no es muy adecuado para evitar los reflejos y funciona mejor si imprimes tu cubierta, la cortas y luego la transfieres a una cartulina o espuma plástica delgada negra. La espuma plástica es más durable.

En algunas situaciones la cubierta no es suficiente porque es muy corta, puedes llevar a mano un cartón para tratar de bloquear la luz, aunque debes tener cuidado de que no vaya a aparecer dentro de la imagen.

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La profundidad de campo afecta el enfoque de las imágenes

Victoria — Mon, 05 May 2008 17:24:05 +0000

Muchas veces nuestras imágenes salen desenfocadas por tener una profundidad de campo muy pequeña.

La profundidad de campo es el nombre que se le da al efecto que se consigue con la cámara para enfocar una parte de la imagen y desenfocar otra parte, resaltando con éste efecto el sujeto principal de la fotografía.

Cuando dejamos que la cámara decida la apertura del diafragma estamos comprometiendo la posibilidad de lograr una imagen enfocada. Si queremos tener un control sobre el grado de nitidez de la imagen tenemos que olvidarnos del colocar la cámara en automático.

Cuando tomamos control de la apertura del diafragma o cuando utilizamos en las cámaras compactas las opciones de paisaje, close up, etc, estamos diciéndole a nuestra cámara que tanto debe cerrar o abrir el diafragma.

Mientras más abierto está el diafragma, más corta será el área de la fotografía que saldrá enfocado, mientras más cerrado, más área estará en foco. Mientras más cerca está el sujeto de la cámara, más corta será la profundidad de campo, mientras más largo el lente (teleobjetivo) más corta será también la profundidad de campo.

Sólo la experiencia nos irá mostrando cuál apertura del diafragma, cuál distancia y qué tipo de lente necesitamos para poder obtener el enfoque necesario para la imagen que queremos hacer.
Lo importante es poder reconocer la causa del desenfoque en nuestras imágenes para dar una solución adecuada.

Las 5 causas principales son:

1.La cámara enfoca en el lugar equivocado

2. Hay muy poca luz y la cámara no puede enfocar

3. La cámara se mueve mientras el diafragma está abierto

4 .El sujeto se mueve mientras el diafragma está abierto

5. La profundidad de campo es muy corta

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Fotos borrosas, causa: la persona se mueve

Victoria — Mon, 05 May 2008 17:14:27 +0000

Una de las causas más frecuentes de que las fotografías nos queden borrosas es cuando la persona o el sujeto se mueven mientras tomamos la fotografía. Al utilizar una velocidad que no alcance a congelar el movimiento, la persona aparecerá movida dentro de la fotografía pero el fondo que es estático si estará bien enfocado.

Para saber si éste es el problema que estamos experimentando debemos mirar con cuidado nuestra imagen y en ella veremos que los objetos que están inmóviles dentro de la imagen está completamente enfocados, pero el objeto o la persona en movimiento se ven borrosas, especialmente podremos ver que los brazos o las piernas tienden a desaparecer o a dejar una estela.

En éste caso es muy claro que no es por que la cámara haya enfocado en el lugar equivocado, sino que en la imagen sólo aparecen borrosas las partes de la imagen que estaban en movimiento.

Para solucionar éste problema debemos aumentar la velocidad de obturación y/o utilizar el flash, si la persona o el objeto están cerca lo suficientemente cerca de la cámara como para que el flash congele la imagen.

Para calcular la velocidad de obturación de la cámara adecuada debemos tener en cuenta que tan rápido se mueve nuestro sujeto, por ejemplo si es una flor mecida levemente por el viento no necesitará una velocidad tan alta como un niño corriendo o un auto a alta velocidad.

Sólo la experiencia nos irá mostrando que tanta velocidad necesitamos y su relación con la apertura del diafragma y la cantidad de luz disponible, lo importante es poder reconocer la causa del desenfoque en nuestras imágenes para dar una solución adecuada.