Con cada nuevo avance de la ciencia y la tecnología se abre una brecha y una disputa entre los defensores de lo nuevo y quienes se insisten en lo tradicional.
Cuando se presentó el nuevo invento de la fotografía ante el mundo en 1839, se pronosticó la rápida muerte de la pintura. ¿Para qué pintar lo que la naturaleza podía hacer por sí misma y de una manera perfecta?
Unos años después. Cuando el movimiento impresionista mostraba con toda su fuerza y que la belleza del nuevo movimiento pictórico tenía mucho mas que brindar que el hecho de ser una reproducción exacta de la naturaleza, la fotografía se abría su propio camino como un arte independiente.
A comienzos del siglo XX George Eastman diseñó un cámara pequeña y portátil y colocó la fotografía en las manos del público en general.
Los fotógrafos de la época reaccionaron en contra de la “Brownie” de Kodak con sus diminutos lentes, un foco fijo, su pequeño formato y su película de acetato.
La fotografía hasta entonces se hacía en cámaras de fuelle, de gran formato sobre un fuerte trípode y en grandes placas de vidrio que ofrecían una calidad inigualable.
Pero Kodak siguió adelante y millones de personas pudieron acceder a la fotografía para guardar sus memorias familiares, sin que los fotógrafos tradicionales tuvieran que renunciar a su arte y su calidad. Sencillamente tomaron del nuevo invento lo mejor y adaptaron las placas de acetato a sus cámaras.
Muy pronto llegó la fotografía a color como una nueva posibilidad para artistas, profesionales y aficionados.
Las cámaras de gran formato, formato medio y SLR se desarrollaron a la par de las “instamatics” y las pequeñas “pockets”.
Pero tal vez la revolución más grande que ha sufrido la fotografía desde su invención, ha sido el desarrollo de la fotografía digital.
Desde un comienzo ha tenido como todo nuevo invento, defensores y detractores y aunque con el paso de los años la brecha se ha ido cerrando y el desarrollo técnico de la fotografía digital ha permitido que cientos de profesionales y artistas, a la vez que el gran público hayan hecho el cambio.
Hay quienes todavía siguen considerando la fotografía tradicional como la verdadera y se resisten al cambio que ha invadido, desde las grandes empresas fotográficas hasta los museos de arte y desde las cámaras profesionales con respaldos digitales y decenas de mega píxeles, hasta los teléfonos celulares con sus pequeñas cámaras incorporadas.
Pero la fotografía sigue siendo la misma desde los primeros daguerrotipos, hasta las imágenes JPG, independientemente de la técnica que se use para atrapar la luz y fijar la imagen.
Ansel Adams, el gran fotógrafo clásico de los Estados Unidos lo resumió de la siguiente manera: “El negativo es la partitura y la copia impresa es el concierto”.
Este concepto sigue siendo tan válido hoy como ayer, pues hoy nuestro archivo fotográfico es sólo un conglomerado de datos que requieren ser procesados para obtener una imagen.
En la música, la calidad de la partitura, la capacidad creativa del compositor y la habilidad del interprete son los elementos que llevan a que el público aprecie una gran obra musical.
En el caso de la fotografía, tanto digital, como tradicional, son la sensibilidad del fotógrafo, su capacidad y conocimiento técnico y la interpretación que hace del archivo (negativo), quienes determinan que una imagen despierte emoción y admiración.
Es la obra en sí misma la que despierta estos sentimientos y no el instrumento que se haya usado para crearla.
Fotografías de Victoria Restrepo ©
El formato JPEG o JPG es la forma más conocida y rápida para comprimir y guardar un archivo de imagen. Este formato trabaja descartando parte de la información original del archivo.
