La representación alegórica se refiere a una técnica de fotomontajes utilizada por algunos fotógrafos del siglo XIX.

Oscar Gustave Rejlander fue un pintor sueco quien comenzó a experimentar con la fotografía en 1850. Su obra más famosa se llama “Los dos caminos de la vida”, es una obra colosal para su época (75×40 centímetros) fue hecha a partir de 32 negativos.

Para realizarla, él empleó fondos pintados y fotografió a sus personajes por parejas o tríos y luego los unió en su obra final. En ella muestra un personaje principal en el centro, que hace las veces de juez. Luego, hacia la izquierda entre las sombras se muestra el mal y hacia la derecha, mucho más luminosa, se muestran el trabajo, la virtud y las buenas costumbres.

En su obra aparecen varias personas desnudas, lo que causó una gran controversia, ya que hasta ese momento el desnudo aparecía continuamente en las pinturas, pero el hecho de hacerlo en fotografía, con personas que podían ser reconocidas, ya era otra cosa. El escándalo fue acallado cuando la reina Victoria I de Inglaterra, compró una copia de su obra para darle a su esposo el príncipe Alberto.

La importancia de Rejlander, radica no sólo en la innovadora técnica que él utilizó, sino también en que él empleó una herramienta narrativa de la pintura: el uso de las figuras como representación alegórica de las ideas.

Una de la más conocidas discípulas de Rejlander, fue Julia Margaret Cameron. Ella nació en una rica familia inglesa que vivía en la India, y después de completar su educación en Francia, vivió en Sur África y Ceilán. Finalmente se trasladó a Inglaterra y se dedicó con pasión a la fotografía.

Ella utilizaba negativos hechos de grandes placas de vidrio y generalmente fotografiaba paisajes. Luego comenzó a trabajar los retratos y sus modelos necesitaban quedarse quietos por unos segundos, lo que implicaba que sus imágenes eran suaves y un poco desenfocadas. Ella decidió trabajar con estas irregularidades y hacerlas parte de su obra.

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Cuando vamos a tomar una fotografía debemos pensar cuál es el contenido, o el mensaje que va a transmitir nuestra imagen.

Debemos tener muy claro cuál es el tema principal de nuestra fotografía. ¿Es el paisaje? ¿Es el sujeto? ¿Es el ambiente? ¿Es una fotografía abstracta?

Cuando tomamos un retrato debemos resaltar a nuestro personaje, evitando que otros elementos distraigan o interfieran, no sólo en el fondo sino también en la presentación y la pose de la persona.

Cuando tomamos un retrato debemos resaltar a nuestro personaje, evitando que otros elementos distraigan o interfieran, no sólo en el fondo sino también en la presentación y la pose de la persona.

Si queremos hacer una fotografía abstracta, ésta debe ser abstracta, no deben quedar dudas. En ella, las líneas, el color, la textura y las formas deben ser lo predominante.

También podemos relatar una historia. Esta imagen debe ser lo suficientemente explícita para que el espectador entienda lo que queremos decir.

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Fotografías de Victoria Restrepo ©

El daguerrotipo fue la primera técnica fotográfica con la que se pudo captar una imagen sin que se desvaneciera.

La invención del proceso fotográfico se hizo pública en París en 1839.

En éste proceso la imagen era producida sobre una placa de cobre recubierta con plata y sensibilizada con vapores de yodo. Esta superficie era sensible a la luz y debía usarse antes de una hora.

El tiempo de exposición podía variar entre 10 y 20 minutos, dependiendo de la cantidad de luz que hubiera, luego se revelaba la imagen usando mercurio caliente y se fijaba con una solución de sal común.

El nombre daguerrotipo, se deriva del apellido de uno de sus inventores Louis Jacques Mandé Daguerre. La técnica se desarrolló a partir de la experimentación que había hecho Joseph Nicéphore Niépce, quien llevaba varios años experimentando con placas metálicas y diferentes combinaciones de químicos para lograr producir una imagen exponiéndola a la luz.

Su proceso, al que él llamó Heliografía, era muy lento y su primera imagen que aún se conserva, le tomó 8 horas producirla. Niépce era un químico y su cámara carecía de la óptica adecuada para captar la imagen.

Por su parte Daguerre era un artista quien sentía fascinación por la luz y las imágenes. El creaba grandes telones para el Diorama, que era un entretenimiento muy popular por aquella época en París. En el Diorama era un teatro donde se obtenía un efecto tridimensional al pintar los telones sobre un material translúcido y mediante los efectos de la luz sobre las pinturas se lograba crear la sensación de tormentas o atardeceres.

Para hacer sus telones, Daguere se apoyaba en la utilización de instrumentos ópticos y se había obsesionado con lograr utilizar “la cámara oscura”, (un artefacto inventado en el renacimiento para ayudar a los pintores con la perspectiva) para poder fijar de una manera permanente, la imagen que captaba con ella.

Daguerre y Niépce unieron sus talentos y experiencias y tras algunos años de experimentación Niépce murió y Daguerre siguió adelante con el proyecto.

La calidad de la imagen de los daguerrotipos era de una nitidez increíble, pero su técnica tenía varios problemas:

-Las imágenes no se podían duplicar
-La superficie era muy delicada y debía conservarse dentro de un estuche de vidrio.
-La imagen era reflejada como en un espejo
-Los químicos usados, eran extremadamente tóxicos
-Las imágenes eran difíciles de ver desde ciertos ángulos

Los daguerrotipos hechos hace ya mas de 150 años conservan aún toda su nitidez y belleza.

En los países donde las estaciones producen cambios dramáticos en el paisaje, siempre hay algo nuevo para fotografíar y la naturaleza siempre cambiante, es una fuente inagotable de inspiración.

La flores y retoños sólo viven unos pocos días y son remplazados rápidamente por el follaje verde brillante durante las primeras semanas.

Para lograr captar éste colorido y ésta gran variedad de flores, árboles y animales, debemos concentrarnos en visualizar lo que queremos hacer.

Al fotografiar flores, el enfoque es crucial, tanto para que no queden los pétalos desenfocados, como para que el fondo se desdibuje y no interfiera.

La flores es más fácil fotografiarlas en un día nublado o muy temprano en la mañana, cuando los rayos del sol no son muy fuertes y podemos apreciar hasta los más mínimos detalles.

Pero como toda regla tiene su excepción, fotografiar las flores a contraluz, ofrece también la posibilidad de apreciar las transparencia de sus pétalos.

El uso del trípode es fundamental, no sólo para obtener estabilidad y poder controlar el más leve movimiento de nuestras manos cuando estamos muy cerca, sino que también nos ayuda a centrar nuestra atención en la composición.

El trípode nos ayuda a ir más despacio y a mirar con atención todo el recuadro de la imagen.

En la primavera, los bosques se llenan no sólo de flores, sino también de animales. Para fotografiar la mayoría de los animales es preciso tener un buen zoom. Para los insectos es mejor hacerlo con un lente macro.

La fotografía de animales requiere de un factor imprescindible: la paciencia.

La primavera es una época donde el resurgir de la naturaleza nos brinda una fuente inagotable de inspiración.

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Fotografías de Victoria Restrepo ©

La curiosidad es la capacidad de ver el mundo con una mirada fresca y nueva cada día. La imaginación, por otra parte es la capacidad de fantasear y de soñar.

Cuando escuchamos hablar de la curiosidad, la palabra nos remite inmediatamente a los niños. Ellos son curiosos por naturaleza, todo les llama la atención, se maravillan ante lo pequeño, lo cotidiano, se preguntan cómo funciona. En su nuevo mundo todo es posible, logran hacer cosas inverosímiles para nosotros los adultos, porque ellos todavía no cargan con el “no se puede” que nos limita como adultos.

La imaginación parte de nuestro interior y nos permite colocar un lente de colores a nuestro mundo interno. En éste aspecto, tampoco salimos bien librados los adultos, los niños nos llevan la delantera y nos apabullan con sus comentarios.

Al mirar la seguridad con la cual mi hijo de 6 años toma el lápiz y comienza a dibujar naves extraterrestres, torbellinos de rayos solares, bosques encantados, donde los árboles producen relojes… en fin, su mente siempre está trabajando en algo nuevo.

Si como adultos pudiéramos despojarnos de lo que el sentido común, la lógica y la vida cotidiana nos han restringido, podríamos dar rienda suelta a una capacidad creativa sin límites y ésa debe ser nuestra meta: volver a mirar el mundo con ojos nuevos cada mañana.

Deleitarnos nuevamente con una gota de rocío, con los rayos del sol al amanecer, con la luz a través la escarcha en las frías mañanas del invierno. Disfrutar las primeras flores en la primavera, el musgo y los hongos en un tronco del parque… la transparencia de una hoja, los colores del atardecer, el brillo de un cachito de luna.

Escuchar música y dejar que nos brinde nuevas sensaciones, leer poesía, disfrutar la visita a un museo y estudiar la historia del arte, son el mejor alimento de nuestra imaginación.

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Fotografías de Victoria Restrepo ©

La era de la fotografía digital abrió las puertas no sólo a los fotógrafos aficionados y profesionales, a las ciencias y a la tecnología sino también al arte.

Los artistas han encontrado una nueva y poderosa forma de expresión tanto en la fotografía digital en sí misma como en el software de edición de imágenes.

Las nuevas herramientas comenzaron a incursionar en el mundo del arte de una manera bastante imperfecta en los años 90, despertando reacciones fuertes de los críticos tradicionales, del público y de muchos artistas.

Las limitaciones de las primeras cámaras digitales hacían casi imposible predecir las posibilidades que tendrían 10 años después. El costo las hacía inaccesibles y la calidad era decididamente mala, ya que las primeras cámaras compactas con un solo megapixel, no aparecieron sino hasta finales de la década.

El software ofrecía opciones muy limitadas, era difícil de usar y ni que digamos del hardware, a las computadoras les tomaba horas procesar y mover los archivos. Guardar un archivo de regular tamaño era un proceso de varios minutos y era necesario estar guardando a medida que se trabajaba, ya que eran muy frecuentes las caídas del sistema y los bloqueos del software.

Los escáner eran de muy baja calidad, no permitían escanear películas y las imágenes de copias de papel no tenían buena resolución.

Las impresoras aún no tenían la calidad suficiente para poder brindar a los artistas unas imágenes adecuadas, no había mucha variedad de papeles y la durabilidad de las tintas era muy restringida. Las perspectivas del uso de la tecnología digital en el arte eran bastante limitadas.

Con el cambio de siglo la tecnología tomó un vuelo vertiginoso, las cámaras comenzaron a bajar de precio y a subir en calidad, el software, el hardware, las tintas y los papeles ahora cambian a una velocidad que no alcanzamos a aprender a utilizar algo cuando ya está obsoleto y salió del mercado.

Hoy las posibilidades son infinitas y tanto los críticos de arte, como el público en general y los mismos artistas, han comenzado a aceptar la nueva tecnología como una herramienta más.

La tecnología digital en manos de un artista le permite expresarse y crear de la misma manera que hace el pintor con sus pinturas y pinceles y el escultor con la arcilla, el cincel y la piedra.

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Arte digital de Victoria Restrepo ©

El calotipo es una técnica fotográfica inventada por el científico Inglés William Fox Talbot. Se basa en un papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico el cual es expuesto a la luz, revelado y fijado con hiposulfito.

La fotografía se ha entendido como un proceso en el que las imágenes son captadas por una cámara y como resultado, se obtiene un negativo del cual se pueden replicar indefinidamente las copias. Esta explicación fue aceptada hasta el advenimiento de la era digital.

Pero la verdad es que ésta no fue una premisa válida al comienzo de la fotografía. Cuando se patentó en Francia la invención del daguerrotipo en 1839, la comunidad científica estaba tan asombrada por la posibilidad de obtener las imágenes con la cámara y poderlas ver en sobre la lámina metálica, que el invento del científico inglés William Henry Fox Talbot, hecho tan sólo un mes después, pasó casi desapercibido.

El daguerrotipo era una imagen única, que no podía ser duplicada, pero que tenía una resolución y nitidez que aún hoy nos asombra.

William Henry Fox Talbot había estado trabajando en la captura de imágenes a través de la cámara oscura. El tenía inclinaciones artísticas y había tratado infructuosamente de dedicarse al arte, intentó utilizar la cámara lucida para ayudarse a crear algunos bocetos, pero desanimado por el poco éxito de sus creaciones, decidió volver la mirada sobre la cámara oscura.

Unos años antes él la había utilizado de forma experimental para obtener imágenes negativas en papel, pero éstas desaparecían rápidamente y no había conseguido hacerlas perdurar. Ante el desánimo por su fracaso como dibujante, decidió volver a experimentar con la cámara oscura.

Sus primeras pruebas las hizo colocando unas hojas y ramas directamente encima un papel sensibilizado y dejándolo al sol.

En 1835 Talbot logró obtener un negativo de su casa, colocando un papel sensibilizado en una de sus cámaras experimentales. Los exposición le tomó varias horas, pero logró fijar la imagen.

En ése momento creyó equivocadamente que si reducía el tamaño de la cámara podría reducir el tamaño de la exposición. Construyó infinidad de pequeñas cámaras, las que su familia llamó “trampas de ratón”, con ellas no pudo reducir el tiempo de exposición, sólo logró obtener imágenes más pequeñas.

Al enterarse del anuncio hecho en Francia sobre el daguerrotipo, él se apresuró a presentar ante la institución real en Londres sus descubrimientos y su propio proceso el que llamó “dibujos fotogénicos”. Su anuncio no obtuvo la misma aceptación y resonancia que tuvo Daguerre, debido especialmente a su falta de nitidez y al tiempo que se debía dejar el lente abierto para lograr una imagen, el cual podía ser de varias horas.

Unos meses después, Talbot descubrió el fenómeno de la imagen latente por pura casualidad. El trató de sensibilizar un papel que previamente había sido sensibilizado y expuesto en la cámara, pero del que no había obtenido ninguna imagen. Al aplicarle nuevamente los químicospara sensibilizarlo otra vez, la imagen expuesta comenzó a aparecer ante sus asombrados ojos.

Este nuevo descubrimiento le permitió a Talbot reducir drásticamente su tiempo de exposición entre 1 y 3 horas, hasta sólo un par de minutos. El llamó a este nuevo invento calotipo, que viene de la palabra griega kalos que significa bello o hermoso.

Aunque tomó algunos años en que el público y los fotógrafos de la época se dieran cuenta de las posibilidades del nuevo invento de Talbot, éste logró imponerse, debido a las posibilidades que ofrecía de facilidad y versatilidad y de obtener copias desde un original.

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