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Historia de la fotografía: Las primeras imágenes de la guerra

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Historia de la fotografía: Las primeras imágenes de la guerra

A los pocos años de hacerse público el invento de la fotografía los nuevos fotógrafos tomaron sus cámaras para mostrar cómo era el mundo, más allá su vida cotidiana.

Los primeros registros que se tienen sobre el tema de la guerra, datan de la guerra de México con Estados Unidos, donde se fotografiaron los soldados y los oficiales, pero posando dentro de un estudio fotográfico y no en el campo de batalla.

El daguerrotipo que vemos en la imágen de la izquierda es una imagen del coronel James Duncan; la fotografía fue tomada durante la guerra entre 1846 y 1848 por el fotógrafo Mathew Brady.

Unos pocos años más tarde, en 1855 el artista y fotógrafo inglés Roger Fenton, navegó desde Inglaterra hasta la península de Crimea En el mMar Negro), para cubrir la guerra entre Rusia y una coalición de países europeos.

Documentar la guerra fue una nueva aplicación de la fotografía. Los pintores de todas las épocas habían pintado escenas románticas de la guerra, pero ésta era la primera vez que el público en general podía ver la realidad y crudeza de la guerra. Aunque realmente Fenton no pudo ir al frente, sí pudo fotografiar las consecuencias de los ataques.

Fenton llevó a la guerra un carro tirado por 4 caballos acondicionado como cuarto oscuro, donde llevaba los químicos, 700 placas de vidrio y cinco cámaras.

Él nunca pudo acercarse a fotografiar la acción por varios motivos: en primer lugar porque el proceso de toma era muy lento y no podía captar el movimiento y en segundo lugar porque el fotógrafo no podía trabajar con sus químicos cerca del humo de la batalla porque sus químicos no funconaban.

Fenton utilizaba el proceso del colodión húmedo y debía sensibilizar el vidrio justo en el momento en que iba a ser utilizado, así que debía encerrarse en su carro donde según sus propias palabras “al cerrar la puerta para preparar las placas, el sudor corría por mi cara como si fueran lagrimas… los líquidos del revelado eran tan calientes, que a duras penas soportaba mis manos dentro de ellos”.

Al volver a Inglaterra llevaba consigo 300 negativos, con los cuales preparó una exposición que fue exhibida tanto en Londres como en París.

La exhibición suscitó mucha controversia ya que el público estaba acostumbrado a las coloridas representaciones románticas de los pintores y la fría y oscura soledad de los paisajes desolados después de la batalla, no llenaban sus expectativas.

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Historia de la fotografía: Ansel Adams

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Historia de la fotografía: Ansel Adams

Fotógrafo norteamericano, nació en 1902 en San Francisco y murió en 1984. Su familia muy adinerada cuando él aún era muy niño, perdió todo su dinero y nunca pudieron recuperarlo.

La falta de recursos económicos, un accidente causado por el terremoto de San Francisco cuando tenía cuatro años y que le deformó la nariz y el hecho de ser hijo único en una familia de personas mayores, hicieron del pequeño Ansel, un niño tímido y retraído que tenía problemas en su vida escolar.

Cuando fue adolescente se dedicó al piano y pensó en ser concertista. Pasó interminables horas estudiando y practicando, lo cual le dio no sólo una gran sensibilidad artística que luego se reflejaría en su fotografía, sino también una gran disciplina para la técnica que él mismo desarrolló años después.

De su infancia, los mejores recuerdos los tuvo en el disfrute de la naturaleza, desde los 14 años comenzó a pasar largas temporadas en la sierra nevada y el parque Yosemite. Desde esa época comenzó a tomar fotografías con una cámara Kodak “Brownie que recibió de sus padres.

A los 17 años se hizo miembro del club Sierra, y comenzó a trabajar allí todos los veranos acompañando a los miembros del club en un viaje de un mes haciendo un recorrido por el parque. Los participantes caminaban y acampaban cada día en un lugar diferente acompañados por un ejército de cocineros, empacadores y mulas. Allí el joven Ansel comenzó a darse cuanta que podía ganarse la vida como fotógrafo y que incluso podía hacer un poco más de dinero que como concertista.

Su vinculación con el club Sierra fue esencial en su vida, ya que allí realizó su primera exhibición personal de fotografía, publicó sus primeros escritos y conoció a su esposa.

Al principio su fotografía era bastante “pictórica” siguiendo los parámetros de la época, pero pronto se desligó de ésta tradición y comenzó a trabajar en lo que él llamó fotografía directa, en la que se enfatizaba la claridad del lente y se evitaba toda manipulación de la imagen tanto en la cámara como en el cuarto oscuro.

En 1927 se conoció con el fotógrafo Edward Weston con quien hizo una amistad que los acompañaría toda la vida, juntos formaron el famoso grupo fotográfico llamado “f/64” en el exaltaban la profundidad de campo, el enfoque y la nitidez de sus imágenes.

Muy pronto comenzó a ser reconocido como uno de los mejores fotógrafos de su época, pero la fama nunca le trajo la fortuna y en sus escritos y cartas siempre hace referencia a su difícil situación económica que lo obligaba a utilizar gran parte de su tiempo y energías a hacer trabajo comercial.

Su técnica impecable le llevó a escribir muchísimos libros y manuales, fue consultor de la Polaroid y Hasselblad y desarrolló su famoso “Sistema de Zonas” fundamento de toda la fotografía en blanco y negro hasta el advenimiento de la fotografía digital.

Su trabajo incansable, lo llevó no sólo a crear unas fotografías impecables y hermosas, sino también a despertar la conciencia de los ciudadanos de los Estados Unidos de la importancia de cuidar y preservar sus riquezas naturales y de crear los parques naturales para su conservación.

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Historia del retrato: la tarjeta de visita

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Historia del retrato: la tarjeta de visita

Los retratos estuvieron presentes desde comienzos de la historia de la fotografía y a medida que éste nuevo arte se popularizó la clase media y alta quiso hacerse retratar.

La tarjeta de visita fue tal vez la forma más popular de retratos desde mediados de 1800, hasta finales del siglo XIX.

La fotografía se desarrollaba rápidamente y nuevas técnicas y procesos hacían que el tiempo de exposición no fuera tan largo y que se pudieran replicar fácilmente las copias.

En 1854 el fotógrafo francés André Adolphe Disdéri patentó su nuevo invento: una fotografía de 8.75 x 6.25 centímetros, pegada sobre una tarjeta un poco más grande, la cual era producida durante la toma de 8 imágenes en una sola sesión usando una cámara con cuatro lentes.

La persona posaba en forma relajada, generalmente de cuerpo entero y utilizando poses, fondos y mobiliario muy teatral. Algunas veces se fotografiaba sobre fondo blanco y se colocaba la fotografía entre un recuadro o un ovalo, algunas veces profusamente decorado.

Una vez salió al mercado éste nuevo invento se popularizó de inmediato y vino a reemplazar las tarjetas con el nombre y la dirección que se usaban como una forma de presentación personal.

En un principio las fotografías eran hechas en estudio y muchas veces trataban de imitar famosas obras de arte, pero luego fueron tomando su propio lenguaje y los adultos posaban con las herramientas propias de su trabajo y emblemas de su rango y los niños con sus juguetes. Luego se utilizaban monumentos y lugares públicos para hacer las tomas.

La popularidad fue tan grande que la familia inglesa permitió la venta de 70,000 tarjetas con la fotografía de la reina Victoria a la muerte de su esposo el príncipe Alberto. Pronto las tarjetas se hicieron objetos de colección y las personas las atesoraban en álbumes. De la propia reina Victoria se dice que reunió una colección de mas de 100 álbumes con tarjetas de la nobleza europea.

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Historia de la fotografía: El colodión húmedo

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Historia de la fotografía: El colodión húmedo

negativo_vidrio_henri_duperlyEl colodión húmedo fue una de los primeros procesos fotográficos desarrollados en Europa a mediados del siglo XIX. Consistía en sensibilizar en una placa de vidrio las sales de plata sobre una nueva sustancia llamada colodión.

Los fotógrafos de la época cada vez más deseaban un producto que no produjera una imagen única como el daguerrotipo, y que tuviera mejor calidad que el calotipo con sus negativos de papel.

Primero se experimentó con albúmina o clara de huevo para adherir las sales de plata a una placa de vidrio, éste proceso les dio la calidad deseada, pero era muy complejo de usar y las exposiciones eran larguísimas haciéndolo poco útil para la toma de retratos.

La respuesta la dio el artista inglés Frederick Sccott Archer quien decidió utilizar una nueva sustancia llamada colodión para cubrir las placas de vidrio antes de sensibilizarlas.

Este nuevo proceso proporcionaba unos negativos de alta calidad y muy rápidos a la hora de fotografiar, lo cual llevó a su rápida aceptación a pesar de lo difícil de usar.

Hoy en día nos parece realmente absurdo el pensar que los fotógrafos de finales del siglo XIX debieran cargar grandes placas de vidrio y un cuarto oscuro portátil. Allí mismo ellos debían sensibilizar las placas de vidrio en el momento de tomar las fotografías, ya que sólo se podían usar mientras el colodión estaba húmedo. Después de tomar la fotografía debían revelar la imagen y fijarla inmediatamente para poderla conservar.

Pero éste gran avance fue el precursor de la fotografía moderna y permitió que a partir de los negativos de vidrio se pudieran imprimir innumerables copias de un mismo original con una calidad excelente

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La Historia del retrato

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La Historia del retrato

Los retratos han estado con los hombres casi desde la prehistoria, siempre hemos querido preservar las imágenes de nuestros seres queridos y en muchísimas ocasiones, la propia imagen.

Los retratos se hicieron en pintura y escultura hasta la aparición de la fotografía en 1839, cuando el afán de la clase media por poder plasmar sus rostros de una manera económica. Ellos impulsaron ésta nueva técnica, ya que hasta ese momento, sólo las personas adineradas podían costearse una pintura de si mismos.

Cuando se comenzó a popularizar el arte de la fotografía, las cámaras y procesos eran muy lentos y tomar una imagen requería de varios segundos. Para hacer una toma de un paisaje, esto no representaba ningún problema, pero para una persona quedarse inmóvil, era casi imposible.

Muchas veces el fotógrafo debía sentar a su cliente en una silla especial y colocarle un artefacto para sostener la cabeza y así evitar que la moviera. En los primeros retratos las personas aparecían con los ojos cerrados y debían retocarlos a mano para que la persona pareciera más natural.

Al popularizarse la fotografía, hubo una explosión de estudios fotográficos en todo el mundo que ofrecían las tarjetas de visita, en las que el fotógrafo tomaba diferentes poses y luego imprimía para que sus clientes las utilizaran como tarjetas de presentación personal.

En un principio los retratos buscaban parecerse a la pintura. Las poses, los fondos y las expresiones buscaban una similitud con la pintura clásica. En esa época sólo había fotografía en blanco y negro y muchos artistas coloreaban o “iluminaban” las fotografías para hacerlas más reales.

En 1888, el norteamericano George Eastman, fundó su empresa Kodak y puso al alcance del público el poder de tomar sus propias imágenes. Con su famosa frase “sólo oprima un botón, que nosotros hacemos el resto” logró que millones de personas alrededor del mundo pudieran tener sus propias cámaras y fotografiar su vida diaria.

Para mediados del siglo XX tener un retrato de sí mismo, era algo de la vida diaria y la fotografía a color ya se había extendido. Los rostros de millones de personas han quedado plasmados para la posteridad.

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Historia de la Fotografía: La imagen ilusoria

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Historia de la Fotografía: La imagen ilusoria

La historia de la  fotografía se remonta a cientos de años en los que los hombres lucharon por retener la imágen ilusoria que se formaba por los rayos filtrados de la luz.

El fenómeno de la cámara oscura ha sido observado desde hace muchos siglos. Cuando un rayo de luz entra por una hendidura en una habitación oscura, proyecta la imagen exterior sobre la pared opuesta.

En el renacimiento se utilizó para resolver problemas de perspectiva, ya que les permitía copiar fielmente los problemas de perspectiva.

Las primeras cámaras oscuras fueron tan grandes que cabía una persona de pié dentro de ellas. Luego fueron haciéndolas más pequeñas y en el siglo XVIII era una caja de madera de unos 60 cms de largo. A un lado tenía un lente y al otro lado un vidrio esmerilado. Luego les colocaron un espejo a 45 grados que enderezaba la imagen como en las cámaras reflex modernas.

Desde la antigüedad también se había observado que la luz, además de permitirnos ver las imágenes, cambia la naturaleza de algunas sustancias, como por ejemplo la clorofila de las plantas y las sales de plata, especialmente los haloideos. La sensibilidad de éstas sales fue oficialmente establecida por el físico alemán Johann Heinrich Schulze en 1727.

Además de los adelantes científicos, tanto químicos, como ópticos que más tarde conducirían a la invención de la fotografía, la clase media del siglo XVIII iba en aumento y tenía una gran demanda por hacerse retratos.

En 1796 se inventó la litografía, la cual permitía reproducir impresiones hechas sobre una placa de piedra lisa. En un principio se producían solamente las siluetas y unos dibujos más complejos logrados mediante la técnica de “physionotrace”.

Este era un aparato de madera, que funcionaba como un pantógrafo. El artista miraba a su modelo, quien debía estar sentado sin moverse, a través de un visor, e iba copiando sus facciones en unas pequeñas placas de metal que permitían hacer reproducciones.

La “cámara lucida” fue otro invento del siglo XVIII, el cual permitía el artista ver a su modelo al mismo tiempo que el papel, para ir “duplicando” a su modelo.

En 1802 Thomas Wedgwood hizo algunas pruebas cubriendo un papel blanco impregnándolo con una solución de nitrato de plata. Luego colocaba un dibujo en vidrio sobre la superficie del papel y lo exponía a los rayos del sol.

Las zonas del papel que no estaba protegidas por el dibujo cambiaban de color volviéndose más oscuras logrando una imagen negativa del dibujo inicial. Wedgwood, dejó sus investigaciones al no poder fijar las imágenes.

El primero en lograr fijar las imágenes fue Nicéphore Niépce en 1826.

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Historia del arte digital

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Historia del arte digital

La era de la fotografía digital abrió las puertas no sólo a los fotógrafos aficionados y profesionales, a las ciencias y a la tecnología sino también al arte.

Los artistas han encontrado una nueva y poderosa forma de expresión tanto en la fotografía digital en sí misma como en el software de edición de imágenes.

Las nuevas herramientas comenzaron a incursionar en el mundo del arte de una manera bastante imperfecta en los años 90, despertando reacciones fuertes de los críticos tradicionales, del público y de muchos artistas.

Las limitaciones de las primeras cámaras digitales hacían casi imposible predecir las posibilidades que tendrían 10 años después. El costo las hacía inaccesibles y la calidad era decididamente mala, ya que las primeras cámaras compactas con un solo megapixel, no aparecieron sino hasta finales de la década.

El software ofrecía opciones muy limitadas, era difícil de usar y ni que digamos del hardware, a las computadoras les tomaba horas procesar y mover los archivos. Guardar un archivo de regular tamaño era un proceso de varios minutos y era necesario estar guardando a medida que se trabajaba, ya que eran muy frecuentes las caídas del sistema y los bloqueos del software.

Los escáner eran de muy baja calidad, no permitían escanear películas y las imágenes de copias de papel no tenían buena resolución.

Las impresoras aún no tenían la calidad suficiente para poder brindar a los artistas unas imágenes adecuadas, no había mucha variedad de papeles y la durabilidad de las tintas era muy restringida. Las perspectivas del uso de la tecnología digital en el arte eran bastante limitadas.

Con el cambio de siglo la tecnología tomó un vuelo vertiginoso, las cámaras comenzaron a bajar de precio y a subir en calidad, el software, el hardware, las tintas y los papeles ahora cambian a una velocidad que no alcanzamos a aprender a utilizar algo cuando ya está obsoleto y salió del mercado.

Hoy las posibilidades son infinitas y tanto los críticos de arte, como el público en general y los mismos artistas, han comenzado a aceptar la nueva tecnología como una herramienta más.

La tecnología digital en manos de un artista le permite expresarse y crear de la misma manera que hace el pintor con sus pinturas y pinceles y el escultor con la arcilla, el cincel y la piedra.

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Arte digital de Victoria Restrepo ©

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