En los primeros años de la fotografía, el proceso estaba aún lejos de ser perfecto y los fotógrafos buscaban afanosamente formas de resolver las dificultades y limitaciones del nuevo invento.

A mediados del siglo XIX, la emulsión de sales de plata con la que sensibilizaban las placas de vidrio, no era sensible al rojo, pero sí muy sensible al azul, así que el cielo se registraba rápidamente en el negativo quemándose por completo.

Lo que en el negativo quedaba completamente negro, en el positivo era completamente blanco y los cielos de los paisajes y de las fotografías de arquitectura, no poseían ningún detalle.

Uno de los fotógrafos que experimentó con diferentes técnicas para tratar de solucionar éste problema fue Roger Fenton. El trató de hacer los negativos poco densos y luego los sobre exponía a la hora de imprimirlos para tratar de registrar el cielo.

Finalmente su técnica no dio el resultado esperado y otros fotógrafos después de él comenzaron a mezclar diferentes negativos a la hora de imprimir para poder obtener cielos con nubes.

El término con el que se designó esa técnica fue el de “impresión combinada” y podía hacerse de diferentes maneras:

Imprimiendo dos o más negativos consecutivamente sobre la misma hoja de papel.

Sobre poniendo dos negativos e imprimiéndolos juntos.

Recortando partes de diferentes negativos y uniéndolos para imprimirlos juntos.

Recortar las imágenes ya impresas y pegándolas, formando un collage para fotografiarlo de nuevo.

El primero en utilizar un negativo separado para las nubes fue el fotógrafo Hippolyte Bayard, quien trabajó a la par de Daguerre en su propio proceso fotográfico, pero no lo presentó a tiempo de haber pasado a la historia como el inventor de la fotografía. Sin embargo su “impresión combinada” de las nubes, sí fue utilizada por muchos fotógrafos después de él.

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Con cada nuevo avance de la ciencia y la tecnología se abre una brecha y una disputa entre los defensores de lo nuevo y quienes se insisten en lo tradicional.

Cuando se presentó el nuevo invento de la fotografía ante el mundo en 1839, se pronosticó la rápida muerte de la pintura. ¿Para qué pintar lo que la naturaleza podía hacer por sí misma y de una manera perfecta?

Unos años después. Cuando el movimiento impresionista mostraba con toda su fuerza y que la belleza del nuevo movimiento pictórico tenía mucho mas que brindar que el hecho de ser una reproducción exacta de la naturaleza, la fotografía se abría su propio camino como un arte independiente.

A comienzos del siglo XX George Eastman diseñó un cámara pequeña y portátil y colocó la fotografía en las manos del público en general.

Los fotógrafos de la época reaccionaron en contra de la “Brownie” de Kodak con sus diminutos lentes, un foco fijo, su pequeño formato y su película de acetato.

La fotografía hasta entonces se hacía en cámaras de fuelle, de gran formato sobre un fuerte trípode y en grandes placas de vidrio que ofrecían una calidad inigualable.

Pero Kodak siguió adelante y millones de personas pudieron acceder a la fotografía para guardar sus memorias familiares, sin que los fotógrafos tradicionales tuvieran que renunciar a su arte y su calidad. Sencillamente tomaron del nuevo invento lo mejor y adaptaron las placas de acetato a sus cámaras.

Muy pronto llegó la fotografía a color como una nueva posibilidad para artistas, profesionales y aficionados.

Las cámaras de gran formato, formato medio y SLR se desarrollaron a la par de las “instamatics” y las pequeñas “pockets”.

Pero tal vez la revolución más grande que ha sufrido la fotografía desde su invención, ha sido el desarrollo de la fotografía digital.

Desde un comienzo ha tenido como todo nuevo invento, defensores y detractores y aunque con el paso de los años la brecha se ha ido cerrando y el desarrollo técnico de la fotografía digital ha permitido que cientos de profesionales y artistas, a la vez que el gran público hayan hecho el cambio.

Hay quienes todavía siguen considerando la fotografía tradicional como la verdadera y se resisten al cambio que ha invadido, desde las grandes empresas fotográficas hasta los museos de arte y desde las cámaras profesionales con respaldos digitales y decenas de mega píxeles, hasta los teléfonos celulares con sus pequeñas cámaras incorporadas.

Pero la fotografía sigue siendo la misma desde los primeros daguerrotipos, hasta las imágenes JPG, independientemente de la técnica que se use para atrapar la luz y fijar la imagen.

Ansel Adams, el gran fotógrafo clásico de los Estados Unidos lo resumió de la siguiente manera: “El negativo es la partitura y la copia impresa es el concierto”.

Este concepto sigue siendo tan válido hoy como ayer, pues hoy nuestro archivo fotográfico es sólo un conglomerado de datos que requieren ser procesados para obtener una imagen.

En la música, la calidad de la partitura, la capacidad creativa del compositor y la habilidad del interprete son los elementos que llevan a que el público aprecie una gran obra musical.

En el caso de la fotografía, tanto digital, como tradicional, son la sensibilidad del fotógrafo, su capacidad y conocimiento técnico y la interpretación que hace del archivo (negativo), quienes determinan que una imagen despierte emoción y admiración.

Es la obra en sí misma la que despierta estos sentimientos y no el instrumento que se haya usado para crearla.

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Fotografías de Victoria Restrepo ©

Desde los primeros daguerrotipos que se hicieron, los fotógrafos soñaron con poder detener el tiempo y lograr una imagen instantánea.

Aunque hubo algunos ensayos anteriores a 1859, no fue sino hasta ese año en que se comenzó a detener el movimiento con la invención de la fotografía estereoscópica (cámaras con dos lentes).

En un principio, el problema al que se vieron abocados los fotógrafos, fue el hecho de poder abrir y cerrar el lente en fracciones de segundo, pero para 1860 Claude-Marie Ferrier, fotógrafo francés, maravilló al público en París con una exhibición de fotografías instantáneas, donde podían verse los transeúntes y los vehículos pasando por las calles en todas las direcciones. Las imágenes mostraban hasta el más mínimo detalle, sin señal de de desenfoque o movimiento.

Uno de los trabajos más notables en la captura del movimiento, fue el desarrollado por el fotógrafo norteamericano E.J. Muybridge, quien estuvo trabajando por más de 5 años con diferentes arreglos de cámaras y lentes.

Muybridge fue contratado por un ex gobernador de California, quien tenía un caballo llamado “Occidente”del cual se sentía muy orgulloso y deseaba mostrar cómo era su trotador en acción.

Desde las primeras imágenes hechas en 1873 en donde no pudo lograr más que unas sombras, Muybridge tuvo que ir adaptando su técnica, logrando que los lentes pudieran abrirse y cerrarse en menos de una dos milésima de segundo (según él mismo o calculó).

Luego mediante un sistema de resortes con cuerdas, accionados por el caballo al pasar frente a 12 cámaras colocadas en línea una después de la otra, logró mostrar al mundo como era realmente el trote de un caballo.

Las imágenes mostraban claramente que el caballo sí podía tener las cuatro patas en el aire, pero solamente debajo de su barriga y no como se los había pintado durante siglos, con las patas delanteras estiradas hacia delante y las traseras hacia atrás.

En un principio se pensó que las fotografías eran absurdas, pero en 1878 la revista Scientific American publicó un artículo con unos dibujos hechos a partir de las fotografías de Muybridge.

Muybridge luego fue contactado por la Universidad de Pennsylvania donde perfeccionó su equipo y logró hacer tomas no sólo del movimiento de los animales, sino que su trabajo más notable fue el realizado con la figura humana.

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A los pocos años de haberse hecho público el nuevo invento de la fotografía, cientos de fotógrafos salieron a recorrer el mundo para mostrar paisajes, monumentos, guerras, exóticos paisajes y situaciones de la vida cotidiana en diferentes países.

La imagen fidedigna de la cámara mostró ante los maravillados ojos de los observadores, la variedad de un mundo que hasta entonces sólo habían podido ver a través de las pinturas que mostraban la realidad propia de cada artista.

Pero para aquellos pioneros de la fotografía, el desarrollo de su oficio era bastante difícil. Los equipos eran pesados y el proceso del colodión húmedo era difícil de realizar a campo abierto.

El mayor John Wesley Power, quien realizó la primera exploración completa del cañón del Colorado, describe los inconvenientes que tuvieron para poder hacer las fotografías de la expedición:

“La cámara es una carga pesada que debemos subir a las rocas, pero es nada en comparación con la caja que lleva las placas de vidrio y los químicos. Claro que ésta a su vez, es liviana en comparación con el artefacto del tamaño de un órgano de mano que sirve como cuarto oscuro. Esta caja oscura, ha sido la pesadilla de le expedición y debe ser halada desde los 150 hasta los 1000 metros de altura”.

En aquella época, muchos de los hombres que salían en las expediciones fotográficas, regresaban con las manos vacías, el equipo era llevado en carretas o sobre el lomo de las mulas, por peñascos y montañas intransitables y muchas veces las mulas rodaban con la pesda carga sobre sus lomos.

En cada expedición debían llevarse varias cámaras, no sólo para cubrirse por si ocurría algún accidente, sino porque en aquella época no existía la posibilidad de ampliar los negativos y la única opción para lograr imágenes más grandes, era llevar cámaras más grandes. Llegaron a transportarse cámaras de 16 x 20 pulgadas (40 x 50 centímetros).

Mientras en Norte América los exploradores recorrían el oeste americano, en Europa, Adolphe Duperly, fotografió Jamaica desde 1840 y los hermanos Louis Auguste y Auguste Rosalie Bisson fueron con Napoleón III desde París hasta Suiza en 1860 produciendo unas increíbles imágenes de los Andes. En 1861 Francis Frith fue desde Londres hasta Egipto y la tierra santa.

Felice Beato hizo una expedición desde la India hasta la China y fotografió la firma de paz de los chinos con Inglaterra en 1860.

En Australia y Sur América, decenas de fotógrafos recorrieron los polvorientos y peligrosos caminos de la época para registrar la vida diaria, los paisajes y las novedades de final de siglo.

Henri Beaufoy Merlin tomó más de 7000 negativos de las habitantes y las minas y la vida de los mineros en Australia e hizo un detallado registro.

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A los pocos años de hacerse público el invento de la fotografía los nuevos fotógrafos tomaron sus cámaras para mostrar cómo era el mundo, más allá su vida cotidiana.

Los primeros registros que se tienen sobre el tema de la guerra, datan de la guerra de México con Estados Unidos, donde se fotografiaron los soldados y los oficiales, pero posando dentro de un estudio fotográfico y no en el campo de batalla.

El daguerrotipo que vemos en la imágen de la izquierda es una imagen del coronel James Duncan; la fotografía fue tomada durante la guerra entre 1846 y 1848 por el fotógrafo Mathew Brady.

Unos pocos años más tarde, en 1855 el artista y fotógrafo inglés Roger Fenton, navegó desde Inglaterra hasta la península de Crimea En el mMar Negro), para cubrir la guerra entre Rusia y una coalición de países europeos.

Documentar la guerra fue una nueva aplicación de la fotografía. Los pintores de todas las épocas habían pintado escenas románticas de la guerra, pero ésta era la primera vez que el público en general podía ver la realidad y crudeza de la guerra. Aunque realmente Fenton no pudo ir al frente, sí pudo fotografiar las consecuencias de los ataques.

Fenton llevó a la guerra un carro tirado por 4 caballos acondicionado como cuarto oscuro, donde llevaba los químicos, 700 placas de vidrio y cinco cámaras.

Él nunca pudo acercarse a fotografiar la acción por varios motivos: en primer lugar porque el proceso de toma era muy lento y no podía captar el movimiento y en segundo lugar porque el fotógrafo no podía trabajar con sus químicos cerca del humo de la batalla porque sus químicos no funconaban.

Fenton utilizaba el proceso del colodión húmedo y debía sensibilizar el vidrio justo en el momento en que iba a ser utilizado, así que debía encerrarse en su carro donde según sus propias palabras “al cerrar la puerta para preparar las placas, el sudor corría por mi cara como si fueran lagrimas… los líquidos del revelado eran tan calientes, que a duras penas soportaba mis manos dentro de ellos”.

Al volver a Inglaterra llevaba consigo 300 negativos, con los cuales preparó una exposición que fue exhibida tanto en Londres como en París.

La exhibición suscitó mucha controversia ya que el público estaba acostumbrado a las coloridas representaciones románticas de los pintores y la fría y oscura soledad de los paisajes desolados después de la batalla, no llenaban sus expectativas.

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La paleta de historia de Photoshop nos ofrece muchas opciones, entre ellas está la de guardar puntos clave dentro de la historia, creando fotografías instantáneas de la imagen en un momento dado.

Para tomar la fotografía instantánea damos un clic en el icono de la cámara localizado en la parte inferior de la paleta o si queremos un mayor control, damos clic derecho sobre el sitio de la historia que queremos guardar. Aquí se abre una ventana que nos da la opción de dar un nombre a la fotografía instantánea.

En la parte inferior de la ventana dice: “Desde”y se abre un menú con tres opciones:

Documento completo: guarda el documento con todas las capas y las máscaras.

Capas combinadas: Guarda el documento completo en una sola capa, cuando volvamos a éste punto de la historia podremos ver como estaba la imagen completa en ése momento, pero no podremos manipular nuevamente sus capas.

Capa actual: se guarda una copia de la capa en que se estaba trabajando en ese momento.

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Trabajando con la Historia:

Paleta de historia

Cómo se toman las fotos instantáneas

Cómo se usan los botones

Características de las instantáneas

La paleta de historia en Photoshop es el centro de comando donde se lleva un registro de todos los cambios que va sufriendo una imagen.

Con la paleta no sólo se pueden hacer y deshacer los cambios a la imagen, sino que también se pueden tomar fotografías instantáneas del trabajo que vamos haciendo para poder volver a un paso anterior y poder compararlo con otras etapas del proceso.

Cada vez que abrimos una imagen, aparece en la parte superior de la paleta de historia una imagen pequeña de la imagen. Esta instantánea nos permite devolvernos a la imagen inicial rápidamente.

Existen otro par de comandos para deshacer un error: ir a Edición> paso atrás o paso adelante. El otro es con el teclado ctrl.+Z, también nos devolvemos un paso atrás.

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Trabajando con la Historia:

Paleta de historia

Cómo se toman las fotos instantáneas

Cómo se usan los botones

Características de las instantáneas

Los retratos han estado con los hombres casi desde la prehistoria, siempre hemos querido preservar las imágenes de nuestros seres queridos y en muchísimas ocasiones, la propia imagen.

Los retratos se hicieron en pintura y escultura hasta la aparición de la fotografía en 1839, cuando el afán de la clase media por poder plasmar sus rostros de una manera económica. Ellos impulsaron ésta nueva técnica, ya que hasta ese momento, sólo las personas adineradas podían costearse una pintura de si mismos.

Cuando se comenzó a popularizar el arte de la fotografía, las cámaras y procesos eran muy lentos y tomar una imagen requería de varios segundos. Para hacer una toma de un paisaje, esto no representaba ningún problema, pero para una persona quedarse inmóvil, era casi imposible.

Muchas veces el fotógrafo debía sentar a su cliente en una silla especial y colocarle un artefacto para sostener la cabeza y así evitar que la moviera. En los primeros retratos las personas aparecían con los ojos cerrados y debían retocarlos a mano para que la persona pareciera más natural.

Al popularizarse la fotografía, hubo una explosión de estudios fotográficos en todo el mundo que ofrecían las tarjetas de visita, en las que el fotógrafo tomaba diferentes poses y luego imprimía para que sus clientes las utilizaran como tarjetas de presentación personal.

En un principio los retratos buscaban parecerse a la pintura. Las poses, los fondos y las expresiones buscaban una similitud con la pintura clásica. En esa época sólo había fotografía en blanco y negro y muchos artistas coloreaban o “iluminaban” las fotografías para hacerlas más reales.

En 1888, el norteamericano George Eastman, fundó su empresa Kodak y puso al alcance del público el poder de tomar sus propias imágenes. Con su famosa frase “sólo oprima un botón, que nosotros hacemos el resto” logró que millones de personas alrededor del mundo pudieran tener sus propias cámaras y fotografiar su vida diaria.

Para mediados del siglo XX tener un retrato de sí mismo, era algo de la vida diaria y la fotografía a color ya se había extendido. Los rostros de millones de personas han quedado plasmados para la posteridad.

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La representación alegórica se refiere a una técnica de fotomontajes utilizada por algunos fotógrafos del siglo XIX.

Oscar Gustave Rejlander fue un pintor sueco quien comenzó a experimentar con la fotografía en 1850. Su obra más famosa se llama “Los dos caminos de la vida”, es una obra colosal para su época (75×40 centímetros) fue hecha a partir de 32 negativos.

Para realizarla, él empleó fondos pintados y fotografió a sus personajes por parejas o tríos y luego los unió en su obra final. En ella muestra un personaje principal en el centro, que hace las veces de juez. Luego, hacia la izquierda entre las sombras se muestra el mal y hacia la derecha, mucho más luminosa, se muestran el trabajo, la virtud y las buenas costumbres.

En su obra aparecen varias personas desnudas, lo que causó una gran controversia, ya que hasta ese momento el desnudo aparecía continuamente en las pinturas, pero el hecho de hacerlo en fotografía, con personas que podían ser reconocidas, ya era otra cosa. El escándalo fue acallado cuando la reina Victoria I de Inglaterra, compró una copia de su obra para darle a su esposo el príncipe Alberto.

La importancia de Rejlander, radica no sólo en la innovadora técnica que él utilizó, sino también en que él empleó una herramienta narrativa de la pintura: el uso de las figuras como representación alegórica de las ideas.

Una de la más conocidas discípulas de Rejlander, fue Julia Margaret Cameron. Ella nació en una rica familia inglesa que vivía en la India, y después de completar su educación en Francia, vivió en Sur África y Ceilán. Finalmente se trasladó a Inglaterra y se dedicó con pasión a la fotografía.

Ella utilizaba negativos hechos de grandes placas de vidrio y generalmente fotografiaba paisajes. Luego comenzó a trabajar los retratos y sus modelos necesitaban quedarse quietos por unos segundos, lo que implicaba que sus imágenes eran suaves y un poco desenfocadas. Ella decidió trabajar con estas irregularidades y hacerlas parte de su obra.

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El daguerrotipo fue la primera técnica fotográfica con la que se pudo captar una imagen sin que se desvaneciera.

La invención del proceso fotográfico se hizo pública en París en 1839.

En éste proceso la imagen era producida sobre una placa de cobre recubierta con plata y sensibilizada con vapores de yodo. Esta superficie era sensible a la luz y debía usarse antes de una hora.

El tiempo de exposición podía variar entre 10 y 20 minutos, dependiendo de la cantidad de luz que hubiera, luego se revelaba la imagen usando mercurio caliente y se fijaba con una solución de sal común.

El nombre daguerrotipo, se deriva del apellido de uno de sus inventores Louis Jacques Mandé Daguerre. La técnica se desarrolló a partir de la experimentación que había hecho Joseph Nicéphore Niépce, quien llevaba varios años experimentando con placas metálicas y diferentes combinaciones de químicos para lograr producir una imagen exponiéndola a la luz.

Su proceso, al que él llamó Heliografía, era muy lento y su primera imagen que aún se conserva, le tomó 8 horas producirla. Niépce era un químico y su cámara carecía de la óptica adecuada para captar la imagen.

Por su parte Daguerre era un artista quien sentía fascinación por la luz y las imágenes. El creaba grandes telones para el Diorama, que era un entretenimiento muy popular por aquella época en París. En el Diorama era un teatro donde se obtenía un efecto tridimensional al pintar los telones sobre un material translúcido y mediante los efectos de la luz sobre las pinturas se lograba crear la sensación de tormentas o atardeceres.

Para hacer sus telones, Daguere se apoyaba en la utilización de instrumentos ópticos y se había obsesionado con lograr utilizar “la cámara oscura”, (un artefacto inventado en el renacimiento para ayudar a los pintores con la perspectiva) para poder fijar de una manera permanente, la imagen que captaba con ella.

Daguerre y Niépce unieron sus talentos y experiencias y tras algunos años de experimentación Niépce murió y Daguerre siguió adelante con el proyecto.

La calidad de la imagen de los daguerrotipos era de una nitidez increíble, pero su técnica tenía varios problemas:

-Las imágenes no se podían duplicar
-La superficie era muy delicada y debía conservarse dentro de un estuche de vidrio.
-La imagen era reflejada como en un espejo
-Los químicos usados, eran extremadamente tóxicos
-Las imágenes eran difíciles de ver desde ciertos ángulos

Los daguerrotipos hechos hace ya mas de 150 años conservan aún toda su nitidez y belleza.